琼·斯奈德

60年来，美国艺术家琼·斯奈德通过绘画、手稿和版画，重新构想抽象画的叙事潜力。70年代初，她的“笔触画”首次获得广泛认可，这些画作剖析了最基本的绘画姿态：笔触。她将个人叙事融入抽象画作，为其注入活力，有意对抗当时在纽约艺术界盛行的极简主义、抽象表现主义和色域绘画等以男性艺术家为主导的艺术传统。她说：“我希望在绘画中获得更多，而不是更少。我想讲述故事，它有开头、中间和结尾......我想做一些不同的事，一些更强烈、更个人化和更复杂的事。”

她构建了一套反复出现的个人主题艺术词汇——从玫瑰和乳房，到池塘和泥巴、图腾、尖叫的脸、葡萄、涂鸦文字、樱桃树和月亮、南瓜和向日葵，推动绘画形式的可能性的同时，通过拼贴材料的叠加，发展出绘画复杂的物质性。斯奈德对抽象画的严格审视以她的女权主义观念为基础，她以“女性身体的本质感受”为中心，为当代美国绘画开辟了全新的领域。

斯奈德的艺术实践围绕3个主要作品系列的演变而构建，包括：“笔触绘画”、“交响曲绘画”和“田野绘画”，其视觉语言亦贯穿于这些类别之外的大量绘画作品中。“笔触画”通过在画布上跳跃的明亮彩色条纹探索“绘画的解剖学”。“交响曲绘画”则强调音乐对其艺术创作的根本影响。在这些作品中，抽象的标记、图像符号和手绘文字产生共鸣，即使并不总是和谐，但作品充满韵味，与管弦乐器的协奏相呼应。在 “田野绘画”中，她则将主题、形式和象征统一，描绘她在80年代中期从纽约搬到更具乡村特色的环境时所遇到的农业景观。她的作品绘满画布，犹如一片创作的田野，任她在其中播种图像、色彩和姿态，将形式实验与神话和个人周期更新的理念融合。 

音乐不仅是斯奈德抽象构图的组织概念，也是她艺术创作过程的核心支柱。她经常参加古典音乐会和演唱会，在那里，她进入自己的“冥想空间”，于音乐流淌时在黑暗中写生。巴赫的清唱剧、安魂曲，尤其是威尔第（Verdi ）1874年创作的《安魂曲》（Messa da Requiem），以及菲利普·格拉斯（Philip Glass）、阿福·佩尔特（Arvo Pärt）、妮娜·西蒙（Nina Simone）和艾米·怀恩豪斯（Amy Winehouse）的音乐，都是她在工作室的常伴之曲。她往往在工作室花费数年时间不断回顾自己的手稿。她在标注的图像中详细描述特定的颜色和材料，并在图纸上标注日期和积累多年的肯定性言辞，直到她觉得准备就绪，可以制作相应的绘画作品。她游走于计划与即兴之间，从不让无约束的情感凌驾于绘画的形式意图之上。她的作品充满诗意，打破社会、美学和物质的等级制度，强调感受和女性主观性在抽象艺术中的地位。

斯奈德1940年出生于新泽西州，现于布鲁克林和伍德斯托克工作。她于1962年获得道格拉斯学院学士学位，1966年获得罗格斯大学艺术硕士学位。在罗格斯大学攻读硕士期间，她在梅布尔·史密斯·道格拉斯图书馆发起“玛丽·H·达纳女性艺术家系列”（DWAS），以提高新晋和知名当代女性艺术家的知名度，这也体现了她毕生致力于倡导女性参与文化领域的承诺。2016年，她获得美国艺术与文学学会艺术奖，此前她还获得麦克阿瑟基金会奖金（2007 年）、约翰·西蒙·古根海姆纪念奖金（1983年）和美国国家艺术基金会奖金（1974年）。

斯奈德于70年代初首次展出她的“笔触绘画”作品，此后举办了众多重要的机构展览，包括在纽约现代艺术博物馆（1981年）、纽约布鲁克林博物馆（1998年）、纽约犹太博物馆（2005年；巡展至马萨诸塞州的丹福思艺术博物馆）和罗格斯大学齐默利艺术博物馆（2011年）举办个展。她参加了1973年和1981年的惠特尼双年展。近期群展包括在马萨诸塞州波士顿美术馆（2023-25年）、伦敦泰特现代美术馆（2023年）、纽约布鲁克林博物馆（2020年）、纽约大都会艺术博物馆（2018-20年）、纽约大都会艺术博物馆布劳耶分馆（2016年）、维也纳现代艺术博物馆（2016年）和慕尼黑布兰德霍斯特博物馆（2015年）。斯奈德的作品被伊利诺伊州芝加哥艺术学院、纽约布鲁克林博物馆、德克萨斯州达拉斯艺术博物馆、纽约犹太博物馆、纽约大都会艺术博物馆、波士顿美术馆、纽约现代艺术博物馆、华盛顿特区美国国家美术馆、华盛顿特区国际女性艺术博物馆、加利福尼亚州旧金山现代艺术博物馆和伦敦泰特现代美术馆等收藏，彰显她对美国艺术的重要贡献。

摄影：马尼·马约雷尔（Marni Majorelle）